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Italiano At Christmas 2023, the Teatro Ghione hosted for the sixth consecutive year Abracadabra, The Night of Miracles, featuring a cast of international artists, many of whom were appearing in Italy for the first time: the Japanese artist Masayo, the American Stuart Mac Donald, the French Adrien Quillien, and the Austrian mentalist duo Anca and Lucca. Standing out among them all was the icon of magic and global circus star Yevgeniy Voronin, who, through his character Maestro Voronin, uniquely and originally blends magic, pantomime, and comedy.
I started practicing magic very early, at the age of 11, and later trained at the Kiev Circus School in Ukraine, where I also studied acting using the Stanislavski method. However, I had an innate predisposition for comedy, and for this reason I began combining magic with pantomime and theatre—essential tools for developing any character, whether a magician, a juggler, or a performer.
I began attending magic competitions and conventions, and my career started as a magician’s assistant. At the time, alcohol was prohibited, and I played an assistant who performed the bottle-and-glass routine. My first engagements in the West came in the 1990s through German variety shows and dinner shows. The first time I went to Germany, I didn’t have a visa to cross the border. I asked the train conductor to let me on board in exchange for entertaining the passengers with magic until the border. He gave me a compartment, and by the time the border police arrived, I had filled it with my props and was performing surrounded by travelers. I managed to cross the border and won the competition as an original act. I returned two years later and won again. I increasingly developed my Maestro character: the goal was not to create effects, but to let the character emerge—especially through mistakes.
Before 1988, it was not possible in Russia to open a private theatre, but in that year I was able to found the first theatre for magicians in Kiev, bringing together some of the finest illusionists such as Victor Voitko, Galina, and others who, throughout the Soviet regime, had been separated from one another. In this theatre I also organized courses in acting, choreography, set design, and English language.
Among the characters who have always inspired me, first and foremost is The Great Tomsoni by Johnny Thompson, whom I met for the first time in 1991 during the show Magic Hands, organized by Manfred Thum. He performed in the first half of the show, I in the second. When my turn came, his wife Pam called him, telling him to watch me because I resembled him in his early days. After seeing me perform, he came up to me and said, “If you want, I will be your magic father.” Like him, I had never known my father, and this became a running joke between us every time we met. Once in San Francisco, he came to help me as a consultant for Teatro Zinzanni, and I have wonderful memories of those days. Another important influence was the Turkish performer Buka, one of the first, I believe, to combine magic and comedy. In the 1980s, comic magic was still rare. Adriano Celentano also had a strong influence on me—watching his films shaped my way of moving and walking with that elastic, bouncing rhythm.
My character can be defined as a white clown who fails. A clown always needs conflict, and in my case the conflict is with objects. The key lies in my lack of reaction—remaining impassive, throwing confetti. When I was a child, there was the white clown and the red clown; one depended on the other. For solo work, I turned my props into my partners: the objects come alive, they react. In Asia, I once heard it said that when a clown works solo, he is white on the outside and red on the inside. This contrast gives depth to the character.
To young performers today, I would advise focusing on character development—this is the most important thing—trying and retrying every possibility and every effect in order to go deeper, never staying on the surface. It is a long and difficult process, but it always pays off in the future.
As for the future, I want to continue with dinner shows, which for me are a true contemporary art form—international in scope—bringing together circus, variety, opera, and comedy. Recently, the East has also begun to open up to this form of performance, as seen in China and Vietnam.
(article published on Juggling Magazine, n.102, march 2024)
A Natale 2023 il Teatro Ghione è stato il palcoscenico per il sesto anno di Abracadabra, La notte dei miracoli con un cast di artisti internazionali molti dei quali per la prima volta in Italia: la giapponese Masayo, lo statunitense Stuart Mac Donald, il francese Adrien Quillien e la coppia di mentalisti austriaci Anca e Lucca. Tra tutti spicca l’icona della magia e star del circo mondiale Yevgeniy Voronin che con il suo personaggio Maestro Voronin condensa in maniera unica e originale magia, pantomima e comicità.
Ho iniziato prestissimo a fare magia, già all’età di 11 anni, per poi formarmi alla scuola di circo di Kiev in Ucraina, studiando anche recitazione con il metodo Stanislavskij. Ma avevo una innata predisposizione per la comicità e per questo provavo a combinare la magia con la pantomima e il teatro, strumenti essenziali per qualsiasi personaggio si voglia sviluppare, che sia un mago, un giocoliere, un performer. Ho iniziato a frequentare i concorsi di magia, le convention, e la mia carriera è cominciata come assistente del mago. Al tempo vigeva il divieto di alcoolici e io impersonavo un assistente che faceva la routine della bottiglia e del bicchiere. I primi ingaggi in occidente arrivano negli anni ‘90 dai varietà e dinner show tedeschi. La prima volta che sono andato in Germania non avevo il visto per oltrepassare il confine. Chiesi al controllore del treno di farmi salire per intrattenere i viaggiatori fino al confine con la magia. Mi diede uno scompartimento e quando arrivò la polizia alla frontiera avevo riempito lo scompartimento dei miei attrezzi e mi stavo esibendo circondato da viaggiatori. Riuscii a passare il confine e a vincere il concorso come numero originale. Tornai due anni dopo e rivinsi. Iniziai a sviluppare sempre di più il mio personaggio del Maestro, l’obiettivo non era creare effetti, ma far emergere il personaggio, soprattutto attraverso gli errori. Prima del 1988 non era possibile in Russia aprire un teatro privato, ma nel 1988 ho potuto fondato a Kiev il primo teatro per maghi, richiamando gli illusionisti più bravi come Victor Voitko, Galina e altri che per tutto il periodo del regime sovietico erano divisi tra di loro. In questo teatro organizzavo anche corsi di teatro, coreografia, scenografia, lingua inglese. Tra i personaggi che mi hanno ispirato da sempre primo fra tutti The Great Tomsoni di Johnny Thompson, che ho incontrato per la prima volta nel 1991 in occasione dello show “Magic hands” organizzato da Manfred Thum. Lui lavorava nella prima parte dello show, io nella seconda. Quando arrivò il mio turno la moglie Pam lo chiamò dicendogli di guardarmi perché assomigliavo a lui agli inizi. Dopo avermi visto venne da me e mi disse “Se vuoi sarò il tuo padre magico”. Come lui non avevo mai conosciuto mio padre e questo divenne un gioco tra noi ogni volta che ci incontravamo. Una volta a San Francisco venne ad aiutarmi come consulente per il Teatro Zinzanni e ho un ricordo splendido di quei giorni. Altra influenza importante è stato il turco Buka, uno dei primi credo a combinare magia e comicità. Negli anni ’80 era raro vedere la magia comica. Ma anche Adriano Celentano di cui vedevo i film ha influito molto sul mio modo di muovermi e camminare molleggiando. Il mio personaggio si può definire un clown bianco che però fallisce. Il clown ha sempre bisogno di conflitto e nel mio caso sono gli oggetti a essere in conflitto con me. La chiave è nella mia non reazione, nel rimanere impassibile, lanciare coriandoli. Quando ero piccolo c’era il clown bianco e quello rosso, uno dipendeva dall’altro. Per il lavoro solista ho fatto diventare i miei attrezzi i miei partner, gli oggetti si animano, reagiscono. In Asia ho sentito dire che quando il clown lavora in “solo” fuori è bianco e dentro è rosso. Questo contrasto dona profondità al personaggio. Per i giovani di oggi consiglierei di concentrarsi sullo sviluppo del personaggio, questa è la cosa più importante, provare e riprovare tutte le possibilità e gli effetti per andare in profondità, non rimanere mai in superficie. Un lavoro lungo e difficile, ma ripaga sempre nel futuro. Per il futuro voglio continuare con i dinner show, che per me sono una vera e propria forma d’arte contemporanea, internazionale, che unisce circo, varietà, opera, comedy. Recentemente anche l’Oriente si sta aprendo a questo forma di spettacolo, come in Cina e Vietnam.
(articolo pubblicato su Juggling Magazine, n.102, marzo 2024)
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